el regreso de X-MEN: días del Futuro pasado.

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

Desde el pasado Viernes 23 de mayo la 20th Century FOX, ha marcado el estreno mundial de una de sus más exitosas franquicias de los últimos tiempos, con el regreso de X-MEN: días del Futuro pasado.

LA HISTORIA:

La última formación de X-Men disputa una guerra para la supervivencia de la especie en dos periodos de tiempo diferentes. En ‘X-Men: Días del futuro pasado’, los personajes originales de la trilogía ‘X-Men’ unen sus fuerzas con ellos mismos años atrás ‘X-Men: Orígenes’, en una batalla épica que deberá cambiar el pasado para salvar el futuro.

La trama logra transportarnos junto con Wolverine a través de su conciencia hasta 1973 con el propósito de ayudar a Xavier, Magneto y el resto de mutantes con para acabar con los Centinelas, personajes nefastos creados por Industrias Trask., en especial del Mark I que se convertirá en la defensa anti mutante más avanzada que hay en el mundo. Después de 8 generaciones de mejoras en los Centinelas y de 50 años de investigación, abandonan la producción del Mark I para fabricar el Mark X, las nuevas unidades que combinarán nanotecnología de última generación y armamento biológico, con la promesa de un futuro aún más brillante para la raza humana.

El reparto estará formado por Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Peter Dinklage, Nicholas Hoult, Jennifer Lawrence, Sir Ian McKellen,  Sir Patrick Stewart, Shawn Ashmore, Anna Paquin, Ellen Page, Omar Sy y Halle Berry.

LA CRITICA:

Después de verla estoy más que seguro que esta nueva película del reconocido Director Bryan Singer, hará que Los fanáticos de los mutantes estarán más que contentos con las primeras impresiones con respecto a esta cinta, en la que por primera vez los viajes en el tiempo se hacen presentes dentro de la saga.

Pero lo que ha hecho Singer es realmente fantástico, no simplemente se revitalizan antiguos sino que introduce algunos nuevos, entre ellos el súper velocista Mercurio (Evan Peters), la escena determinante de su monólogo lo deja por todo lo alto, razón por la cual considero que Días del Futuro Pasado es la película de X-Men más ambiciosa hasta la fecha, llena de ideas, con un  muy buen guión de acción pura y extraordinarios giros en su argumento, elementos que permiten trasportarse a la lectura básica del comic, sin ser aburrida.

Recomendad al 200 %, no se la pueden perder.

Festival de Cine de Cannes 2014: resumen de Palamares

Artículo publicado por la Agencia EFE, solo para medios especializados.

Alicia García de Francisco

Cannes (Francia), 24 may (EFE).- La 67 edición del Festival de Cannes se cerró hoy con la consagración del turco Nuri Big Ceylan (en la foto), que se llevó la Palma de Oro por "Winter Sleep", y el reconocimiento del cine joven representado por el canadiense Xavier Dolan, que consiguió el Premio del Jurado por "Mommy".

Aunque eso sí, compartido con el veterano y ausente Jean-Luc Godard, que a sus 83 años presentó en "Adieu au langage" un estrafalario ejercicio de estilo, tan aplaudido como denostado, pero con el que Cannes ha saldado una antigua deuda ya que nunca antes había premiado el cine de uno de los fundadores de la "nouvelle vague".

El Gran Premio del Jurado fue para el naturalismo formal de la italiana Alice Rohrwacher por "Le mereviglie"; el de director para el estadounidense Bennett Miller por "Foxcatcher"; el de guion para el ruso Andrey Zvyagintsev, y los de interpretación para Julianne Moore, por "Maps to the stars", de David Cronenberg, y Thimoty Spall por "Mr Turner", de Mike Leigh.

La presidenta del jurado de la competición oficial, Jane Campion, dijo en la rueda de prensa posterior a la entrega de premios que la película de Ceylan es "una obra maestra" que podría haber seguido viendo durante horas y de Dolan afirmó que es un "genio" que ha

creado una película "joven, moderna y fresca".

Al recibir su premio, Dolan, con solo 25 años y 5 largometrajes a sus espaldas, rompió a llorar emocionado y, tras dedicar el premio a su generación -"no hay límites excepto los que nos ponemos nosotros mismos. Todo es posible para quien sueña y trabaja sin abandonar nunca"-, aseguró que "The piano", de Campion, ha definido su vida y su carrera.

De "revolución técnica" calificó la película de Dolan otro miembro del jurado, el realizador danés Nicolas Winding Refn, mientras que su colega chino Jia Zhangke destacó la pasión que tanto Dolan como de Godard, dos extremos en lo que se refiere a la edad, ponen en sus trabajos.

Unos premios que cumplieron los pronósticos en los casos de "Winter Sleep" -gran favorita junto al filme de Dolan- y, sobre todo, en el de mejor actor. El británico Spall apuntó directamente al premio de interpretación desde el primer día del festival, cuando se proyecto la biografía de William Turner rodada por Mike Leigh.

Spall, de 57 años, fue el más emotivo de la ceremonia de clausura, con un largo discurso en el que bromeó, jugó con su móvil dio las gracias a Leigh y recordó que cuando el realizador consiguió la Palma de Oro en 1996 por "Secrets and Lies", él no estuvo presente aunque debía estarlo.

El actor contó que tuvo la "mala educación" de desarrollar una leucemia, pero que tuvo esa misma "mala educación" de superarla y estar vivo, lo que le permitió ser hoy y por primera vez "la novia en la boda".

Más sorprende fue el Gran Premio para "Le meraviglie", un filme que caló hondo en otro del los miembros del jurado, Sofia Coppola, que destacó la delicadeza y la hondura de la propuesta de Alice Rohrwacher.

La italiana se unió a la emoción y las lágrimas de Dolan y Spall, con un momento surrealista sobre el escenario del Palacio de Festivales de Cannes, donde habló en italiano, mientras la traducían al francés y la ayudaba a terminar las frases Sophia Loren, que fue la encargada de entregarle el premio.

Loren, que volvió a ser una de las estrellas de la noche, con todo el auditorio puesto en pie para recibirla con una gran ovación, defendió la importancia del festival: "Cannes es siempre importante, necesario, esencial, para los realizadores y los enamorados del cine del mundo entero".

Por su parte, Bennett Miller aseguró que era "extremadamente gratificante" conseguir el premio al mejor director por "Foxcatcher", una historia de deporte, amistad y complejos, con un sorprendente Steve Carell como protagonista.

El premio al mejor guión fue para el ruso Andrey Zvyagintsev por su filme "Leviathan", una crítica sin contemplaciones al abuso de poder y a la corrupción.

Y el de interpretación femenina para Julianne Moore, que no estaba presente, por su actriz descentrada y en pleno declive en "Maps to the stars", que es lo mejor de una película a la que David Cronenberg no ha sabido darle el tono adecuado.

Unos premios bien repartidos pero en los que se echa de menos el filme "Still the water", de la japonesa Naomi Kawase, que aparecía en todas las quinielas, algo que no le sucedía a Godard, con un filme que solo gustó a sus incondicionales.

Un palmarés siempre polémico que cierra una 67 edición de Cannes que ha mostrado un nivel medio bastante alto pero en el que pocas cosas han sorprendido realmente. EFE

GODZILLA: el regreso el Lagarto Rey.

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

Gareth Edwards nos trae nada más y nada menos que una joya para los amantes del rey de los monstruos. En esta entrega ha quedado más claro que nunca, es el rey de los monstruos y tras haber visto esta maravilla solo puedo decir: ¡larga vida al rey!

El monstruo que aterrorizo a Japón, que nació del miedo colectivo a la bomba atómica, el mismo capaz de destruir y borrarlo todo a su paso, son los eventos que marcan su trágico origen. Regresemos al pasado en su película original Gojira (1954) el monstruo debe su origen gracias a las pruebas nucleares, en Godzilla (1998) del Roland Emmerich la historia tampoco cambia, pero… para esta nueva versión libre, este es uno de los pocos puntos en que Godzilla de Gareth Edwards no acude a sus génesis predecesoras.

La película inicia con una serie de imágenes que de inmediato nos sumerge en una ola de eventos catastróficos, todos ellos de tipo nuclear, una fórmula que desde su inicio le llega como “anillo al dedo” para justificar el como un sencillo y muy pequeño “lagarto” logra convertirse en uno de los tres grandes íconos de la historia del cine junto al memorable King Kong y el insuperable ALIEN de Sir Ridley Scott y aunque es cierto que para lograr un mejor desarrollo del guión que logre involucrar a los humanos como “víctimas de la tragedia”, esta historia recurre de nuevo al momento justo en el que: el  padre busca e intenta reunir a su familia en un ambiente extremadamente hostil, aunque no busca en ningún momento la lagrima sensacionalista.

LA HISTORIA:

Esta nueva entrega arranca con un hallazgo arqueológico y una catástrofe nuclear en la que Bryan Cranston interpreta a Joe Brody, un físico nuclear que vive y trabaja con su familia en Japón. Pasan los años y tras la catástrofe su hijo Ford Brody, puesto en escena por Aaron Taylor-Johnson ha crecido, ya es un teniente militar y tiene su propia familia con la que vive en San Francisco (la nueva ciudad estadounidense que es destruida). Por otro lado, su padre sigue intentando demostrar que lo que paso en Japón, no fue un terremoto, sino otra cosa. Juntos y con la ayuda de un Doctor japonés, revelaran que lo que se avecina, es una guerra entre dos especies de depredadores que vivieron hace miles de años.

LA CRITICA:

Aquí inicio en mi libre oficio lo que es y significa para todos y cada uno de nosotros el regreso del mounstro, al que recuerdo muy bien cuando desde muy pequeño en las divertidas jornadas del “Matinée” que programaba la pequeña cinemateca que existió en uno de mis dos barrios natales, Usaquen, allí lejos de toda realidad y sumergido en la fantástica imaginación que desde pequeños ponemos en práctica, recreaba como podría impactar en mi vida la llegada de un súper Lagarto a mi ciudad, Bogotá, (la misma que en algunos sectores pareciera como si en realidad hubiera sido visitada por Godzilla, por aquello de calles destrozadas y etc..etc..) en casa mis juguetes y en especial mi entrañable Oso de peluche era el “mounstro en cuestión”,  las impactantes imágenes  en Blanco y Negro de un Godzilla, articulado cuadro por cuadro lograban su objetivo, sembrar el recuerdo imborrable.

Reconozco que la cinta es una autentica maravilla para disfrutar tanto a nivel de obra que rinde homenaje claramente al monstruo original de la película de 1954 Gojira o titulada en otros países como :  Japón bajo el terror de un monstruo y su cada vez más sorprendente diseño, así como en las destrucciones y otros elementos clásicos del cine apocalíptico que se lograran cautivar la emoción del momento.

A nivel audiovisual y, después de ver lo que logró con Monsters (2012) casi por si solo, ya que también fue responsable de los efectos digitales y también la fotografía, es fácil entender que el director escogido haya sido Gareth Edwards, quien logra componer una secuencia de planos perfectos, para luego aderezar con dulces efectos especiales de última generación y aunque su estrategia, es emplear la técnica de sugerir situaciones que cada vez genera más tensión con el desarrollo de la historia y que sabes que finalmente acabaras recibiéndolas, si encuentro una falencia clara, abrupta, digo yó, en momentos cruciales como los combates de GODZILLA Vs insectos que terminan, en dos oportunidades, reducidos a la pantalla de un televisor, absurdo realmente, puesto que con estos cortes simplemente acaba, mutila, la emoción.

En cuanto al CGI claramente destaco el realismo de las batallas, las criaturas, los escenarios, las destrucciones y en especial el clásico rugido del lagarto, que esta vez es más profundo, similar al anterior, pero con un ronquido que atemoriza, todo esto corre a cargo de MPC y Double Negative, dos gigantes de los efectos digitales aunque el uso del 3D fue innecesario, pues solo logra profundidad de campo, más No escenas invasivas que logren hacernos mover de la silla.

En cuanto a interpretaciones, Bryan Cranston una vez más admirable!, al igual que Aaron Taylor-Johnson y Elizabeth Olsen quienes cumplen en todo momento y la música a cargo de Alexandre Desplat funciona muy bien en su mayoría, hasta que llega la escena que marca el momento de descenso de los militares en un San Francisco apocalíptico, será mi impresión pero es una copia? o toma ejemplo de los espeluznantes coros de voces de la obra maestra de Stanley Kubrick: 2001: una odisea espacial, en las escenas donde aparece la placa de monolito frente a primates. Repásenla y verán a que me refiero.

Como ya he dicho es un película digna de disfrutar en el cine que recomiendo ver en la pantalla más grande que la proyecta IMAX, por ejemplo.

EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA 2: la amenaza de Electro

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

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Es realmente todo un  reto el compromiso que asumen un director cuando de repetir se trata, así es como lo veo desde mi punto de vista y más aún cuando el personaje central de su película, ha sido sometido a un desgaste total, el Hombre Araña con una primera trilogía de la SONY Pictures y ahora la nueva de los estudios japoneses junto al imponente MARVEL Studios, para uno de sus personajes más consentidos.

Junto a esta nueva tarea la pregunta como crítico inmediatamente me surge ¿Qué debe hacer, como piensa, cómo reacciona un director cuando le piden crear un segundo episodio sensacional después de un éxito de taquilla internacional?. La respuesta que Marc Webb nos ha dado es ahora su segunda película de "El sorprendente Hombre Araña 2: La Amenaza de Electro", secuela de la nueva versión de la saga basada en la historieta de Marvel Comics, protagonizada por Andrew Garfield como Peter Parker y Emma Stone como su amada Gwen Stacy.

"Esto no sólo se trataba de superar la última película. Buscamos que esta cinta fuera fabulosa, pero también debía expresar aspectos más juguetones del personaje del Hombre Araña. Además exploramos distintas ideas y temas que realmente tendrán resonancia entre los espectadores", afirmaba Marc Webb recientemente antes del estreno de la primera cinta que llega a las salas de cine para la temporada de estrenos de mitad de año (o temporada de Verano).

LA CRITICA:

Esta nueva producción abre con 20 minutos de acción pura y e impactante diseñada precisamente para fascinar a los espectadores, incluyendo audaces acrobacias y efectos visuales con tecnología de punta que realmente logra dejarnos con la boca abierta, pero la narración de la historia o el Guión es igual de importante y fue elaborado por el equipo de guionistas formado por Kurtzman, Orci y Pinkner, responsables de revitalizar recientemente la entrañable franquicia "Star Trek".

En palabras del Director, publicadas recientemente por The Hollywood Reporter afirma que: "Cuando comenzamos a desarrollar la historia hablamos de los villanos, acerca de dónde está Peter Parker, cuáles preguntas deseábamos responder, pero el elemento esencial era encontrar el alma de la película, esa idea central con la que nos pudiéramos relacionar nosotros y los espectadores", dice Webb, añadiendo que la segunda parte se ve a contratiempo.

"En esta película abordamos la idea del tiempo. La primera toma es un reloj que marca la hora. Para mí el tema es que debes valorar el tiempo que tienes con las personas que amas. Al comenzar la película Gwen dice en su discurso de graduación, 'El tiempo es suerte'. Es una noción que está presente a lo largo de la película".

Otra parte esencial se construye con los súper villanos (en la foto) realmente malvados. Para este nuevo filme se hacen presentes un trío de criminales de alto nivel, todos interpretados por aclamados actores. Primero, Jamie Foxx (ganador del premio OSCAR®) interpretando al celebrado Electro; luego Paul Giamatti (postulado al premio OSCAR®) es Aleksei Sytsevich, también conocido como Rhino, un rufián ruso conocido por su fuerza y aparente falta de intelecto. Finalmente, la película también presenta a Harry Osborn, papel interpretado por Dane DeHaan, quizá estableciendo el terreno para un futuro enfrentamiento cataclísmico con El Hombre Araña.

"Éste es un tipo distinto de Harry Osborn del que habíamos visto. Es brillante y el supuesto heredero del imperio OsCorp. En cierta forma tanto él como Peter fueron abandonados por sus padres, lo cual les permite tener un vínculo inusual", adelanta el director.

Y aunque Webb no dice exactamente lo que tienen imaginado para Peter Parker a medida que evolucione la franquicia, sí reconoce que "OsCorp formará parte de eso".

Recomendada para los fans del Super héroe y mejor aún para quienes siguen con paciencia cada uno de los pasos de sus personajes recreados en el Cine, esta avalancha ya histórica, continua con más de MARVEL studios para este año con su próximo estreno de verano, pero de la mano de la legendaria 20th Century FOX y el regreso de los X-MEN, ya hablaremos de ella en su estreno del próximo 23 de Mayo. 

Les invito a visitar su web oficial en: http://www.theamazingspiderman.com/site/

Festival de Cine de CANNES 2014: Edición especial POP CORN CINEMA

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

La directora de Cine Jane Campion, la única mujer que ha ganado el máximo premio del Festival de Cine de Cannes, presidirá el jurado de este prestigioso evento que año tras año reúne a lo más selecto de la cinematografía del Mundo. Para este año los organizadores del festival han confirmado a Campion como su principal representante del Jurado central de esta muestra internacional.

La realizadora neozelandesa recibió la Palma de Oro en 1993 por El Piano (La Lección de Piano) tras haber ganado previamente la competencia de cortometrajes del festival. Aunque varias mujeres han presidido el jurado, la mayoría de las películas exhibidas en Cannes han sido dirigidas por hombres.

En un comunicado, el director del festival, Gilles Jacob, describió a Campion como "una verdadera maestra" que impresionó a los jurados con películas "rodadas con gran valentía y humanidad que capturaron un mundo único".

"No puedo esperar", afirmó Campion sobre el importante cargo que ocupará este año en Cannes, el festival inicia el próximo 14 de Mayo e irá hasta el 25 del mismo mes.

La elección añade un toque más a la escasa presencia latinoamericana en el festival junto a Jane Campion estaran: las actrices Carole Bouquet (Francia), Leila Hatami (Irán), Jeon Do-yeon (Corea del Sur), el extraordinario actor y Director de Teatro Willem Dafoe (EE UU) y los cineastas Sofia Coppola (EE UU), Nicolas Winding Refn (Dinamarca), Jia Zhangke (China) y la cuoto latinoamericana, cada vez más escasa para esta ocación con el actor mexicano Gael García Bernal. 

Aquí el collage de fotos con los miembros del Jurado para esta nueva edición.

CANNES 2014 los que se verá en el Festival:

A finales del pasado mes de enero se anunció que Grace of Monaco de Olivier Dahan sería el film inaugural de esta edición. La cinta protagonizada por Nicole Kidman no irá a concurso. Curiosamente su selección en Cannes llegó horas después de la decisión adoptada por los hermanos Weinstein y su empresa The Weinstein Co. decidiese retrasar su ya prolongado estreno, que había sido anunciado a finales del año anterior, aún no se ha fijado la fecha aunque sí lo ha hecho en otros países, como si fuera poco ya trascendió la historia que confirma el malestar expresado por el realizador Olivier Dahan con Harvey Weinstein porque el productor quería cambiarle la película.

Y mientras se aproxima la noche de inauguración la dirección del Festival de Cine más importante de europa ya se ha confirmado la selección oficial que para esta edición prevee la asistencia, aún no confirmada y con nuevas películas debajo del brazo de realizadores tan aclamados como Woody Allen, Clint Eastwood o Terrence Mallick, incluso con las nuevas de Alejandro González Iñárritu, Tim Burton y Paul Thomas Anderson, que aún no están finalizadas.

Quienes sí estarán son los habituales Ken Loach, Nuri Bilge Ceylan, David Cronenberg, Atom Egoyan, Mike Leigh, incluso Jean-Luc Godard, que aspirará a la Palma de Oro 13 años después de su último intento con Elogio del amor.

                 LISTA DE LA SELECCIÓN OFICIAL:

- Sils Maria de Olivier Assayas. Cuarta participación en la sección oficial tras Les destinées sentimentales (2000), Demonlover (2002) y Clean (2004).

- Saint Laurent de Bertrand Bonello. Tercera participación en la sección oficial tras Tiresia (2003) y Casa de tolerancia (2011).

- Kis Uykusu de Nuri Bilge Ceylan. Quinta participación en la sección oficial tras Lejano (Gran premio del jurado en 2002), Los climas (2006), Tres monos (mejor dirección en 2008) y Érase una vez en Anatolia (Gran premio del jurado en 2011).

- Maps to the stars de David Cronenberg. Quinta participación tras Crash (premio especial del jurado en 1996), Spider (2002), Una historia de violencia (2005) y Cosmópolis (2012).

- Deux jours, une nuit de Jean-Pierre y Luc Dardenne. Sexta participación tras Rosetta (Palma de Oro en 1999), El hijo (2002), El niño (Palma de Oro en 2005), El silencio de Lorna (2008) y El niño de la bicicleta (Gran premio del jurado en 2011).

- Mommy de Xavier Dolan. Primera participación en la sección oficial.

- Captives de Atom Egoyan. Sexta participación tras Exótica (1994), El dulce porvenir (Gran premio del jurado en 1997), El viaje de Felicia (1999), Where the truth lies (2005) y Adoration (2008).

- Adieu au langage de Jean-Luc Godard. Sexta participación en la sección oficial tras Salve quien pueda, la vida (1980), Pasión (1982), Detective (1985), Aria (1987), Nouvelle vague (1990) y El elogio del amor (2001).

- The Search de Michel Hazanavicius. Segunda participación tras The artist (2011).

- The Homesman de Tommy Lee Jones. Segunda participación tras Los tres entierros de Melquiades Estrada (2005).

- Still the water de Naomi Kawase. Cuarta participación tras Sharasôju (2003), El bosque del luto (Gran premio del jurado en 2007) y Hanezu no tsuki (2011).

- Mr. Turner de Mike Leigh. Quinta participación tras Indefenso (mejor dirección en 1993), Secretos y mentiras (Palma de Oro en 1996), Todo o nada (2002) y Another year (2010). 

- Jimmy’s Hall de Ken Loach. Decimotercera participación en la sección oficial tras Looks and smiles (1981), Agenda oculta (premio del jurado en 1990), Riff-Raff (1991), Lloviendo piedras (premio del jurado en 1993), Tierra y libertad (1995), Mi nombre es Joe (1998), Pan y rosas (2000), Felices dieciséis (2002), El viento que agita la cebada (Palma de Oro en 2006), Buscando a Eric (2009), Route irish (2010) y La parte de los ángeles (premio del jurado en 2012).

- Foxcatcher de Bennett Miller. Primera participación.

Le meraviglie de Alice Rohrwacher. Primera participación.

- Timbuktu de Abderrahmane Sissako. Primera participación en la sección oficial.

- Relatos salvajes de Damian Szifron. Primera participación. 

- Leviathan de Andrey Zvyagintsev. Segunda participación en la sección oficial tras Izgnanie (2007).

Fuera de concurso:

Grace of Monaco de Olivier Dahan (Inauguración).

Cómo entrenar a tu dragón 2 de Dean Deblois. 

Coming Home de Zhang Yimou.

 Una Cierta Mirada

- Party Girl de Marie Amachouleki, Claire Burger y Samuel Theis.

- Jauja de Lisandro Alonso.

- La chambre bleue de Matthew Amalric.

- Incompresa de Asia Argento.

- Titli de Kanu Behl.

- Eleanor Rigby de Ned Benson.

- Bird people de Pascale Ferran.

- Lost river de Ryan Gosling.

- Amour fou de Jessica Hausner.

- Charlie’s country de Rolf de Heer.

- Snow in paradise de Andrew Hulme.

- A girl at my door de July Jung.

- Xenia de Panos Koutras.

- Run de Phillippe Lacôte.

- Turist de Ruben Östlund. 

- Hermosa juventud de Jaime Rosales.

- Fantasia de Wang Chao.

- The salt of the earth de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado.
- Away from his absence de Keren Yedaya.

NOÉ: la versión libre de Darren Aronofsky, que sorprendió a todos.

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

La aspiración de quien produce una película bíblica es provocar una adhesión a gran escala con el mundo de los creyentes. Si ellos aprecian el film y acuden a las salas de Cine, el resultado en taquilla puede resultar óptimo, y de hecho, así era en los lejanos tiempos en los que el peplum religioso era un subgénero en auge.

Con NOÉ, Darren Aronofsky, el galardonado Director con el Premio OSCAR® por su película EL CISNE NEGRO, pienso que ha logrado involucrarse con un tema que muchos consideran “delicado e intocable” al recrear para el cine, su versión personal sobre la fascinante historia del personaje bíblico y la misión que le encomendó Dios, para limpiar al mundo del pecado.

Por su nuevo trabajo, Aronofsky ya ha recibido comentarios en pro y en contra, situación que no es fácil y más aún si adoptamos el rol que juega el trabajo y prestigio de un director cuando de recrear temas bíblicos se trata, pues no es fácil lograr que todos queden contentos, después de verla. 

Supongo que esa referencia comercial es la que tenían en mente los ejecutivos de Paramount que intentaron estrenar esta película en una versión más amable para los evangélicos estadounidenses. Para alegría de sus fans, Darren Aronofsky consigió que se respetara su edición final de Noé, con el evidente disgusto de los protestantes más intransigentes y con el respaldo de críticos católicos, felices con el resultado final.

Sugiero que se tenga en cuenta que en un par de secuencias del film se describe la evolución de las especies, un detalle que no significa gran cosa para el catolicismo –la Iglesia aceptó sin problemas la teoría de Darwin desde fecha muy temprana–, pero que irrita enormemente a los creacionistas estadounidenses, cuya ciega cruzada anticientífica nunca dejará de asombrarnos.

Si uno se remite a la literalidad de la Biblia, se encontrará con que el Diluvio Universal es relatado por Aronofsky con ciertas libertades pero sin demasiados excesos, sin dejar de mencionar las dosis de efectismo que junto al efecto 3D la hacen llamativamente comercial.

SINOPSIS:

En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio.

Inspirado por la épica historia de valor, sacrificio, esperanza y redención, Darren Aronofsky (en la Foto) (Cisne negro, El luchador, La fuente de la vida) lleva a la gran pantalla su personal visión de Noé. El oscarizado Russell Crowe interpreta al hombre elegido para llevar a cabo una trascendental misión de rescate antes de que una inundación apocalíptica destruya el mundo. La historia completa nunca antes se había llevado a la gran pantalla en una vívida epopeya, invitando al público a vivir esos espectaculares acontecimientos a través de la mirada y las emociones de Noé y su familia en su periplo por el miedo y la fe, la destrucción y el triunfo, la calamidad y la esperanza.

La producción embarcó a este reparto y equipo técnico de primera clase en su propio e inesperado viaje al introducirlos en una intensiva investigación del mundo de Noé para hacerle justicia al texto y embarcarse en un Arca de verdad, construida a mano según las indicaciones de la Biblia. En todos y cada uno de los aspectos de las interpretaciones, la acción y los innovadores efectos especiales de la película, el objetivo del equipo creativo estaba claro: elaborar una versión de Noé que resultara inmediata, vibrante y personal. El resultado es el primer retrato cinematográfico de Noé como un hombre imperfecto cuya sobrecogedora tarea se enfrenta contra lo peor de la humanidad a la vez que reafirma nuestra fe en lo mejor de ella.

"El público puede contar con todos los grandes momentos de la historia de Noé... el Arca, los animales, los Nefilim, el primer arco iris, la paloma. Pero espero haberlas reflejado de una manera nueva e inesperada. En vez de repetir lo ya visto con anterioridad, repasamos meticulosamente lo que está escrito en el Génesis, y luego creamos un escenario en donde sintiéramos que esos milagros podrían suceder", dice Darren Aronofsky

"Hay versiones en clave de comedia, hay versiones en animación, e incluso hubo una versión para Broadway con Danny Kaye que era un musical", dice Aronofsky. "Históricamente, su enfoque ha estado siempre orientado hacia el folklore, el humor y las historias para niños. Pero si uno se fija en el lugar que ocupa la historia en el Génesis, hay mucho más que animales entrando por parejas. Se trata de la historia de diez generaciones de hombres malvados que alcanza su clímax cuando llega un momento en que Dios decide que quiere rehacerlo todo. Para mí, se trata de la primera historia sobre el fin del mundo".

 

También la pareció una historia que finalmente iba a poder ser narrada de una forma visceral mediante las técnicas cinematográficas del siglo XXI, respetando a la vez la fuerza indeleble del texto bíblico. Dice: "No quería seguir ciñéndome a los clichés preconcebidos de la cultura popular que ya tenemos… quería que este Noé pareciese fresco, inmediato y real".

La fascinación de Aronofsky por Noé comenzó cuando tenía 13 años: al escribir un poema sobre Noé para la escuela. Fue después, al comenzar su carrera cinematográfica, cuando empezó imaginar la manera de dar vida a esta colosal historia antigua en la moderna pantalla cinematográfica. Sabía que iba a ser el mayor reto de su carrera, un largometraje tremendamente ambicioso que requeriría tanto pasión como meticulosidad en los detalles. Al mismo tiempo, se sentía profundamente atraído por el aspecto personal de la épica historia, la de la familia de Noé, queriendo investigar sus miedos y esperanzas, sus conflictos y su búsqueda de respuestas en medio de todos aquellos extraordinarios acontecimientos.

"Al ser la historia del primer Apocalipsis, me resultaba enormemente interesante imaginar como podría sobrevivir a eso una familia", dice el director.

Eso se convirtió en el punto de partida de un proceso de escritura que iba a meter a Aronofsky y al co-guionista y productor ejecutivo Ari Handel de cabeza en lo desconocido. Puesto que el texto del Génesis es breve, no contiene prácticamente ningún diálogo y ofrece pocas pistas acerca de los sentimientos de Noé respecto de la inminente inundación, consultaron una ingente cantidad de fuentes religiosas, históricas y eruditas para entender mejor la época de Noé y la relevancia de sus acciones. No se propusieron atenerse literalmente a los escritos, centrándose por el contrario en dramatizar lo que ellos consideraban como los temas esenciales de la historia de Noé e investigando las cuestiones que planteaba la narración bíblica.

Copyright del artículo © Jaime Ponce. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Regency Enterprises, Protozoa Pictures, Paramount Pictures. Reservados todos los derechos.

FELIZ DIA: Planeta Tierra

Cada vez que leo y conozco más sobre nuestro planeta, más me sorprendo! 

Este documental,(me encantan los documentales), se estrenó el año pasado y aunque muchos no lo vieron, hoy en este día tan especial quiero compartirlo con todos ustedes, en la siguiente hora y media podrán conocer a nuestro planeta, tal y como es, como funciona, como se comporta, como un organismo Vivo y dinámico.

Realmente Fascinante, Disfrutenlo, no se lo pierdan.