DIANA: Princesa del Pueblo: NO DECEPCIONA

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

La inolvidable historia de la recordada y entrañable princesa de Gales, Diana, inicia justo cuando ha decidido separarse del príncipe Carlos, resumiendo los dos últimos años de su trepidante vida, reflejando a una mujer can ganas de amar y ser amada, deprimida y a su vez emprendedora, sumergida en sus recordados e invaluables trabajos humanitarios en África y en Bosnia y preocupada especialmente la erradicación de las minas antipersonales o minas terrestres, métodos trágicos de la Guerra en Kosovo.

LA HISTORIA:

En este nuevo filme del aclamado Director alemán Oliver Hirschbiegel, nos encontramos con la extraordinaria y muy hermosa actriz Naomí Watts quien logra “encarnar” de manera sorprendente a la princesa de Gales, recordada también por oponerse a las rígidas reglas de protocolo, impuestas por la corona británica, después de descubrir que su esposo, el Principe Carlos, del era infiel.

Y es justo aquí donde inicia la historia que registra los amores que se alojaron en su Corazón, por sus hijos, su familia y aquellos que desconocemos, (los mismos que la prensa amarilla, los tabloides y los mal llamados “papparazzi” convirtieron en su punto objetivo de absurdo y hasta enfermizo acoso.) entre todos ellos surgió el que vemos representado en la película justo con quien muchos reconocemos como su verdadero amor con el médico cardiocirujano Hasnat Khan, de origen paquistaní, puesto en escena por el actor  Naveen Andrews (nacido en Wandsworth, al sur de Londres). El guión logra que junto a Diana, logremos entender los difíciles y despreciables momentos que tuvo que vivir para mantener su romance oculto, a la sombra de los desesperados papparazzi de entonces, quienes buscaban una simple foto, mientras ella lograba conquistar un lugar de Paz en su vida.

LA CRITICA:

DIANA: Princesa del Pueblo logra sumergirnos en el recuerdo de aquel amor fuera de las convenciones de la realeza británica. En su film el realizador  Oliver Hirschbiegel desglosa de manera minuciosa y con algunos elementos cliché, muy Hollywood (en momentos demasiado dulces) la muchas maneras y planes evasivos que Diana debió crear, para ocultar a su nuevo y gran amor: desde escóndelo en la parte trasera de su auto hasta llegar a cambiar su apariencia física para evadir la vigilancia cómplice de la guardia real.

El Guión no incluye muchas variaciones, pues la película se sujeta a los hechos tal y como lo vimos y vivimos, gracias a los medios de comunicación, por tal razón no existen novedades en la narración y si logra ajustarse a los cánones del género biopic.

Destaco que para mi gusto, encuentro en DIANA: Princesa del Pueblo una película , bien filmada, muy bien realizada y con un  muy buen casting, que permite recrear los hechos que tuvieron lugar días antes del fatal accidente que llevó a la muerte de la Princesa de Gales.

Y qué decir de Naomí Watts, esta joven actriz inglesa, que emigró a los 14 años a Australia y aunque más joven que Lady D, Watts llegó a verla cientos de veces, en sus entrevistas de archivo por televisión, para estudiar todas sus posturas y gestos característicos que le permitió llegar a  representarla tal y como la recordamos, (OJO al trabajo de Voz es impecable). retratando su tristeza, con un pasado familiar poco feliz, primero por la separación de sus padres y luego vivir su divorcio del príncipe Carlos, hoy día casado con la amante de toda su vida Camila Parker. Para nadie es un secreto que Diana dio y dejó mucho material a los medios de comunicación, además de su final trágico, que aún con informes de organismos secretos, todavía sigue siendo un enigma con un culpable no dicho en voz alta pero sí señalado por el inconsciente colectivo.

Por ser un film que NO DECEPCIONA y que aborda el tema con total sinceridad, le otorgamos 3 Ticketes de 5 como máximo puntaje.

Critica THE BUTLER “EL MAYORDOMO”

Redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

Mucho se ha hablado de uno de los grandes estrenos para esta temporada: THE BUTLER “El Mayordomo”,  la película dirigida por Lee Daniels que gira alrededor de la vida de Cecil Gaines (el mayordomo más antiguo de la Casa Blanca, sede del gobierno de los Estados Unidos), quien trabajó durante el mandato de 8 presidentes, entre ellos Kennedy, Nixon y Reagan.

Esta Bio – Pic o biografía,  indaga en la vida familiar del protagonista a tiempo que  refleja bastante bien la crudeza de los conflictos raciales de Estados Unidos en el siglo XX, entre ellos casos como los asesinatos,  segregación racial  y todo tipo de vejaciones contra la raza negra. Aunque el en film, la política es un hecho banal.

El trabajo del director Daniels logra concentrar 60 años de vida e historia de este singular personaje, desde su niñez hasta su vejez. Hace mucho hincapié en algunas etapas de su vida, mientras que otras son totalmente ignoradas. Más adelante en la segunda parte del film, percibimos como el realizador, recordado por su anterior trabajo PRECIOUS, logra bajar la intensidad del relato, por lo que usted como espectador percibirá la sensación de un transcurso lento en el relato.

LA CRITICA

Considero que  uno de los grandes problemas en el desarrollo del Guión es precisamente que no logra sentar una crítica constructiva sobre el rema del racismo, ni mucho menos acude a un llamamiento al cambio y aunque  la obra no ofende a nadie y es en ciertos términos políticamente correcta, si busca la concordia entre los grupos sociales opuestos, blancos y negros en un  solo país.

Pero algo que si logra, es conmocionar al espectador, en situaciones familiares como el conflicto padre e hijo y especialmente, en la parte final cuando Cecil alcanza su mayoría de edad. Aun así, siento que faltó al más que comprometa más al espectador y le permita involucrarse más en la historia.

Concluyo reiterando que  THE BUTLER “EL MAYORDOMO” posee un relato interesante a nivel histórico, logra incluir muchos elementos patrióticos que llaman la atención al mercado estadounidense más que a cualquier otro. De hecho, la crítica de varios diarios estadounidenses le han otorgado las máximas notas, lo que la hace desde ya fácilmente una película merecedora a varias postulaciones al Premio OSCAR, rasgos que la han encasillado como un producto más del cine de Hollywood (Producido por los exitosos Hermanos de la Weinstein Company)  Aun así, resalto la gran interpretación de algunos actores y la habilidad con la que se cuenta la historia. También, quiero destacar la buena caracterización de algunos presidentes. (Extraordinario Alan Rickman en la foto). Aunque no puedo decir lo mismo de Cecil y los de su alrededor, que parecen envejecer en momentos diferentes de la película.

Al final es una buena historia, a la que no la puedo calificar, como otros, de obra maestra pero sí considero que es una película para todos los públicos.

Woody Allen Regresa!! y de qué manera, con su nuevo trabajo Blue Jasmine una verdadera obra maestra

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Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

Woody Allen Regresa!!, y de qué manera, con su nuevo trabajo Blue Jasmine una verdadera obra maestra que logra ponerse a la altura de su mejores y más recordadas películas.

Mucho le criticamos cuando en los últimos 10 años y después de su largo periodo “Europa”, el cineasta neoyorquino, se dedicó más a películas que incluyeron paseos por locaciones, que a decir verdad, como es el caso de Midnight in Paris, se le perdona.

Es entonces cuando con su estilo característico llega y nos sorprende con su nueva obra, BLUE JASMINE, un filme que involucra a un personaje en crisis (interpretado de manera magistral, por una de las mejores actrices del Cine, la magnífica Cate Blanchett) y un guión que involucra el reconocido sello de Allen la comedia y el drama y la fortuna de Amor y el Azar, fusionándolos de manera natural.

Con BLUE JASMINE, Allen también retoma las raíces de su creatividad, inspirándose en su amada Nueva York, pero tendiendo un puente directo a San Francisco, al otro lado de los Estados Unidos, en la costa Pacífico, para reflejarnos así, lo que muchos han vivido, pero pocos conocemos, sobre la crítica situación por la que atraviesa su país.

LA HISTORIA:

El personaje de Jasmine, interpretado por una enorme Cate Blanchett (no me canso de repetirlo) , es un producto de esa crisis, tanto en el sentido económico como psicológico.  Aquí aparece una mujer de clase alta que ve cómo su mundo se disuelve de modo repentino y debe enfrentarse a la depresión, a un nuevo comienzo, a la realidad de un mundo que no quiso ver y a la posibilidad de que alguien se enamore de ella. Es entonces cuando Jasmine, cambia de domicilio, se trastea y llega a convivir por un tiempo en el apartamento de su hermana adoptiva (Sally Hawkins) todo como consecuencia del arresto de su esposo (Alec Baldwin) por estafa y su posterior suicidio en la cárcel.

Deprimida y perturbada, en estado de shock mental, pero manteniendo su carácter pretencioso, Jasmine debe aceptar “a las malas” la adaptación al mundo de la clase obrera de su hermana, oportunidad que Woody aprovecha para rendirle un tributo paródico a Un tranvía llamado deseo, pero sin tocar extremos como la brutalidad clasista y erótica reflejados en la obra del aclamado director  Tennesse Williams.

LA CRITICA:

En BLUE JASMINE he visto como Woody Allen, el mismo de grandes películas como: Anni Hal (1977), Manhattan (1979) Crímenes y Pecados (1989) o Misterioso asesinato en Manhattan (1993), por nombrar solo algunas, decide ser riguroso a manera casi documental, para seguir con su cámara a Cate, la actriz, creando su personaje, buscando como llenarlo de humanidad, volverlo empático hasta en sus costados menos tiernos.

También se hace evidente que para esta ocasión, la trama llena de vueltas y recodos es menos un alarde de guion que el reflejo realista de un mundo complejo donde el milagro es cotidiano, donde la felicidad simplemente sucede -o no-.

El film no es ni un drama ni una comedia, pero este ritmo constante en el guión nos permite leer una manera versátil de Allen para comunicarnos la ironía trágica que hizo de “Crímenes y pecados” una obra maestra. 

Para terminar Cate Blanchet y todo el casting en general, logran con el Director una perfecta atmósfera que da como resultado un impecable trabajo, Blanchett consigue con su puesta en escena los múltiples matices de su personaje, desde lo más patético a lo más trágico. A esto sumemosle la fluidez del guión, que conecta constantemente el pasado con el presente de una manera orgánica y un comportamiento que nos deja pensando...¿Que pasaría su estuviera en su lugar? ¿Como reaccionaria?...

Recomendada al 100% no se la pueden perder.

Le otorgamos 5 GOLDEN TICKETS!! de 5 como mayor galardón para una película EXTRAORDINARIA!!

GRAVITY: un film realista y visualmente magistral

Redacción POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

Siete años han pasado, los mismos que tuvimos que esperar para que el Director mejicano de Cine Alfonso Cuarón junto a su hijo Jonás, lograran sacar adelante su accidentado y prospero proyecto GRAVITY, película que, desde su primera proyección en el pasado Festival de cine de Venecia, generó su propio efecto “Tsunami cinematográfico” acompañado del máximo nivel en calificaciones y el aplauso al unísono por parte del público y la crítica especializada.

Y no es para más, el tan esperado filme no solo conmueve si no que logra sacudir los mismo cimientos del género de Ciencia –Ficción, para lograr llegar a ser una de las mis 10 películas preferidas de este año que culmina.

  

Al realizador Alfonso Cuarón, podemos recordarlo por su muy buena versión/adaptación al Cine que realizó de Harry Potter: “El Prisionero de Azkaban” (2004) a la que muchos calificamos como “la mejor” de toda la saga. Junto a ella otros trabajos como Great Expectations (1998) adaptación del clásico libro de Charles Dickens, o “Y tu mamá también” (2001) y la que indudablemente era hasta hoy su mejor obra “Los Hijos de los Hombre” (2006), adaptación del libro de P. D. James “Hijos de Hombres” (1992) y una de las mejores cintas post – apocalíticas, que hemos visto en los 10 años.

Pero junto a este fenómeno, (el Tsunami cinematográfico) le sumo también la serie de impresionantes trailers que en las últimas semanas han sido proyectados en las salas de Cine y rotados en Internet, que de manera contundente han ido adelantando segmentos de la película.

LA HISTORIA:

El guión de GRAVITY escrito a dos manos, nos ubica de inmediato y sin tanta vuelta a seiscientos kilómetros de la tierra, justo en la órbita geoestacionaria de nuestro planeta, por encima de la estación Espacial Internacional y nos relata la historia de supervivencia del veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney) y de la científica Ryan Stone (Sandra Bullock).  Quienes en un momento crítico pasan a convertirse en víctimas de una lluvia de basura espacial que en segundos destruye a su nave, el trasbordador espacial, quedando ambos incomunicados y con escasas opciones de regresar a la Tierra. 

Después del incidente los protagonistas quedan solos, en el inmenso vacío y con las reservas de oxígeno al límite, es entonces cuando Kowalsky y Stone deberán ingeniárselas para sobrevivir y encontrar un camino que les permita volver a casa.

LA CRITICA:

Lo que Cuarón y su hijo Jonas han hecho con “Gravity” es desarrollar una historia de superación que logra llevarnos al límite en el marco de un escenario poco habitual, la órbita terrestre.

La ahora nueva aventura espacial cuenta como valor principal el tratamiento realista que se le da a la historia, situación que no suele ser muy usual en un género que siempre se acostumbró a otro tipo de personajes con escasa base científica. GRAVITY además logra respetar las leyes, la lógica, los peligros y sus consecuencias de un lugar y una situación tan hostil para los humanos, como lo es la vida en el espacio y el desarrollo de un guión lineal, sencillo y con ritmo trepidante que por momentos logra generar tensión y peligro absoluto, dejándonos como espectadores “quietos en la silla” ante eventuales momentos de emoción absoluta, manejados de manera magistral.

En su film Cuarón & compañía logran manejar muy bien los tiempos, no alarga las escenas más de lo debido, pero si ofrece pausas para no saturarnos con el drama y entregándonos, al mejor estilo de la tecnología espacial, como por inyección electrónica, la información vital además de impresionantes imágenes reales de la Tierra vista desde el espacio, (Cortesía de la EEI) que la hacen técnicamente “Impecable, exquisita” con edición y montaje realista, permitiéndonos así vivir la experiencia viceral junto a los astronautas. La inmensidad del espacio, el manejo de las distancias y la profundidad entre los objetos y efectos especiales sumandos al extraordinario recurso 3D o IMAX, logran enlazar de manera maestra cada escena para entregarnos varias sorpresas que logran el juego con el espectador.

Frente a este último recurso quiero destacar de manera  notablemente, las escenas y manejo de planos en primera persona donde parece que uno se mueve dentro de un entorno tridimensional  logrando que el 3D sea por fin! La mejor herramienta para la actual revolución digital cinematográfica que ayuda a generar espectacularidad en el apartado técnico y visual.

Y en todo este andamiaje participan los dos protagonistas de “Gravity”, reconocidas estrellas de Hollywood responsables de crear personajes a la altura de su profesión. El personaje de Kowalsky, puesto en escena por George Clooney, cumple con su cometido. Como experto astronauta sabe mantener la cabeza fría ante la dramática situación y consigue aliviar la tensión con su carácter cómico. El polo opuesto es la doctora Stone, inexperta científica que se ve envuelta en la tragedia en su primer viaje espacial. El personaje encarnado por Sandra Bullock, evoluciona a lo largo del desarrollo del filme desde la desesperación absoluta al tener que enfrentar una situación de peligro, hasta el necesario control de sus impulsos. Aunque si opino que algunos diálogos sentimentales que tiene consigo misma le sobran.

En resumen GRAVITY es visualmente hermosa, técnicamente perfecta, con diálogos directos y efectivos y y un binomio de protagonistas al igual de creadores que la hacen grande y que dan como resultado una película notable, que posiblemente los asfixie como espectadores, por el vértigo en la pantalla y no le permite respirar hasta el final.

Le otorgamos 5 Tikets Dorados de 5, como máxima clasificación que otorgamos, cuando de buen Cine se trata.

ELYSIUM: una cinta de ficción científica realmente interesante

Redacción POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia. Celebramos el próximo 26 de Diciembre 6 años de publicaciones.

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

ELYSIUM: de Neil Blomkamp

5 años atrás Neil Blomkamp sorprendió al mundo del Cine con su opera prima como director de un largometraje, apoyado por el aclamado Director Peter Jackson.

Con District 9 (2009), Blomkamp nos ofreció una visión real y visceral de la raza humana, poniéndola en el contexto de un futuro no muy lejano de la realidad, su película cruda, logró tocar las fibras más sensibles del hasta ese entonces mundo conservador de Hollywood, en términos de violencia explicita y escenas de acción. Ahora con Elysium (2013), el joven realizador sur africano retoma el género de la Ciencia ficción, sin dejar de lado el fuerte lenguaje visual y reconocida visión postmodernista de lo que será el futuro de una desesperanzada raza humana; para esta la segunda cinta el director nos otorga  muy buenas propuestas en términos conceptuales, pero nos deja con escenas  e ideas abiertas que podrían haber concluido en una gran película de ciencia ficción.

LA HISTORIA:  

La Tierra, año 2154. El planeta está contaminado y cientos de millones de personas malviven en condiciones infrahumanas para mantener el estatus de una clase privilegiada que vive a todo trapo en una estación espacial sólo apta para grandes fortunas. Un lugar verde, amable y frondoso lleno de mansiones, grandes fiestas y máquinas que curan cualquier enfermedad. Un mundo injusto cuyas fronteras intentará cruzar un hombre para demostrar que otro orden social debería ser posible.

Sin lugar a dudas Elysium muestra la realidad cruda de un futuro (presente) no muy lejano. La debacle de la tierra se debe a la incapacidad de los gobiernos de la tierra para dar solución a la problemática actual de la sociedad: los servicios médicos. (Como anillo al dedo con lo que ocurre hoy día en Colombia y la negligencia de los ladrones congresistas por no aprobar la Reforma a la Salud). La clase elite y la burguesía, deciden abandonar la tierra en pos de conservar sus status y su salud. En un hábitat espacial que gira en torno al planeta tierra, el estilo de vida sigue siendo el mismo gracias a la explotación de la masa trabajadora en torno a un grupo elite que conserva el poder, los lujos y las comodidades; pero sobretodo, conservan la salud y la longevidad. Esto es la diferencia en el futuro: los ricos son sanos, los pobres son los enfermos.

(Esta es ELYSIUM la ciudad de sueño)

LA CRITICA:

Las ideas y propuestas del director nacionalizado canadiense no son realmente nuevas, pues ya habían sido expuestas en su opera prima, las concepciones alrededor de la salud son mejor dibujadas (lamentablemente, solo al principio del film) por la misma historia y los protagonistas sencillamente esbozados. El problema comienza cuando el director decide, después de plantear la problemática en relación con su protagonista (Matt Damon), darle un giro narrativo dejando de lado una cinta de ficción científica realmente interesante, para transformarla en una película de acción con algunas buenas ideas pero sin aclarar la idea y dejando eslabones sueltos.

Pero no todo es malo, precisamente cuando se llega a la segunda parte de la película, podemos ver algunos aspectos visuales sumamente interesantes, dejándonos ver su sello particular que en cierta manera nos hace sentir impotentes y a la vez culpables tanto moral como socialmente. 

En Elysium, Neil muestra que su estilo visual es provocador en términos de violencia explicita e incómoda. Pero no es una "violencia tolerable"  como Tarantino, NO todo lo contrario; la violencia expuesta en el film logra advertirnos que las armas y la violencia (en cualquiera de sus formas) en la vida real, no son agradables y mucho menos divertidas. 

Como es obvio en ELYSIUM sus protagonistas forman parte de un todo como espectáculo alrededor de la crítica social que como ya lo he dicho, el director por medio de la violencia aplica en pantalla. Si bien actores de la talla de Damon y de Jodi Foster, no tienen que demostrar nada en términos de la performance actoral, sus aportes no logran dibujar con claridad los motivos que son presentados más allá de la presentación de la problemática del guion. Esto tal vez, debido al criticado por muchos "protagonismo" que ofreció el director a su actor cliché Sharlto Copley y que debido al pobre guion sin cerrar, no pudo complementar la actuación un poco exagerada del actor también sudafricano.

Y para terminar las conclusiones considero a ELYSIUM  todo un ejercicio interesante, principalmente a nivel visual y conceptual alrededor de la crítica social, pero aunque no quiero compararla, si percibo que en su técnica narrativa el jóven director Blomkamp podría transformarse logrando diversas perspectivas en sus próximas historias y así conseguir una narrativa solida, su aporte de violencia visual se convierte también, por que no, en  un gran avance para nuevas propuestas de la "ficción científica" del nuevo cine creado en la meca hollywoodense. 

De Jodie Foster que puedo decir, hemos crecido con ella, continua siendo un valor seguro para cualquier película y aquí lo logra de nuevo, su interpretación de una Ministra de defensa sin escrúpulos, le da carácter al personaje hasta el punto de hacerse odiar,pero como todos, somo humanos y su personaje demuestra que también es vulnerable.

Y concluyo con una anécdota  si es que le podemos llamar así, ocurre que al director se le ocurrió esta historia cuando, un día, cruzando la frontera que separa Estados Unidos de México, agentes federales le esposaron y le tuvieron retenido durante horas sin motivo aparente. Esta situación o lección de vida, le hizo plantearse lo injusto que es nuestro mundo y lo absurdo de las leyes de inmigración. Sumando a este hecho las denuncias a la explotación laboral, críticas a las grandes fortunas y cierta comprensión a los movimientos indignados, está claro que la película es más oportuna que nunca.

Le otorgamos 4 de 5 tiquetes Dorados, porque los merece, aunque sus problemas en la continuidad del Guíon,a dejan por fuera de una clasificación más alta.

 

AVIONES: lo nuevo de DISNEY acción y aventuras...pero con más de lo mismo

Por la redacción POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia. Celebrando próximo 26 de Diciembre. 6 años de publicaciones

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Para esta nueva cinta de los estudios DISNEY animation, los productores simplemente decidieron conservar la estética de “Cars”, la taquillera película en la que los carros con apariencia y comportamiento humanos, son los protagonistas. Ahora el turno es para los fascinantes AVIONES y en especial con la historia del pequeño avión Cesna, Dusty, que sueña con participar en la más importante competencia aérea y lograr llegar a la meta. El problema es que Dusty le tiene miedo a las alturas,.

Hasta aquí el planteamiento de la historia, que como es habitual en el cine comercial o “industrial” es el vivo reflejo de producciones con éxito asegurado, con la marca Disney y sus precedentes.

 En “AVIONES” la acción y las aventuras se conjugan con un extraordinario uso de la animación 3D, elementos que son en principio innegables y técnicamente valorables, pero frente al recordado éxito comercial de las dos entregas de CARS, Disney había optado por evitar (al menos por el momento) una tercera entrega de las aventuras del Rayo McQueen y su inseparable (y en momentos fastidioso) amigo Mate, para apostar, en cambio, a un desprendimiento (spinoff en lenguaje comercial) de la franquicia.

En efecto, este film -que OJO…ya no cuenta con el sello de Pixar- fue concebido a partir de un concepto claro y contundente: “Cars con alas”, incluso, al inicio del proyecto se planteó solo como un lanzamiento exclusivo para el mercado de Hogar, o sea que simplemente y como con otros estrenos, llegaría solo en formato DVD para la familia, pero ante los estudios y encuestas que le precedían, la compañía optó por su estreno en salas de Cine.

LA CRITICA:

Esta película del director de animación Klay Hall, responsable de otros éxitos DISNEY como TINKER BELL y el tesoro perdido o Father of the Pride y la clásica serie de Tv KING OF THE HILL es -en todos sentidos- una hermana menor de sus predecesoras. Las referencias a los films previos son constantes y si bien tiene un impecable trabajo de animación que aprovecha todas las posibilidades del 3D (la sensación de inmersión en las vertiginosas carreras por el aire), la idea de reciclar diseños, personajes y conflictos ya vistos, convierten a la historia y toda la producción en una propuesta reforzada y agotadora.

El anithéroe de turno es Rusty, un pequeño avión que está cansado de fumigar zonas rurales y sueña con correr carreras profesionales. Las cosas no serán fáciles porque primero deberá superar sus propias fobias (está acostumbrado a volar a bajas alturas) y luego, los prejuicios ajenos (nadie lo cree capaz de competir en una extenuante y riesgosa vuelta al mundo).

Y junto a el aparecen en escena  para ayudarlo sus patéticos amigos, un veterano y traumado veterano de guerra que se convertirá finalmente en su mentor (Skipper), un competidor solidario y divertido llamado El Chupacabra (mexicano para más datos), unas atractivas y seductoras “avionetas” (Dottie y Rochelle), y -claro- un campeón poco menos que imbatible y fanfarrón (Ripslinger). Nada demasiado sorprendente en un guión a pura fórmula, que repito emula por completo a CARS, pero con Aviones .

No puedo negar que la película puede funcionar muy bien para niños pequeños, mientras que los adultos se que como Yo, extrañarán bastante las inteligentes e irónicas referencias y dobles lecturas que tantas producciones de Pixar-Disney ha sabido siempre regalarnos.

La cinta también refleja los elementos básicos de sus predecesoras y aplaudo el festival de colores, movimientos, detalles, bromas y aventuras  que si alcanzan para satisfacer las necesidades del consumo infantil, por lo que simplemente la recomiendo como un muy buen plan para ir a Cine, pero no sugiero que su público espectador sea mayor de 10 años.

Le otorgo 3 Tickets Dorados, en la escala de 5 como máximo.

Woody Allen recibirá el premio Cecil B. DeMille por su Vida y Obra dedicada al Cine

Por la redacción de POP CORN CINEMA, el Blog del Cine en Colombia. Celebrando próximo 26 de Diciembre. 6 años de publicaciones

Por Jaime Ponce (Miembro de la Asociación colombiana de Críticos y Periodistas del Cine ACOPECINE) Derechos reservados®, prohibida su copia o reproducción parcial o total, sin autorización de su autor. Registro1-2012-17127 de la Dirección Nacional de Derechos de Autor Colombia.

Un vez más nuestro corazón e intelecto se emocionan, con la alegría que da conocer buenas noticias que para esta ocasión, tienen como protagonista al insuperable cineasta neoyorquino Woody Allen quien recibirá el homenaje más especial que cada año se realiza en el marco de la noche de ceremonia de los GLOBO DE ORO otorgados por la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood, con la entrega del premio Cecil B. DeMille, en reconocimiento a toda una vida dedicada al Cine, el evento de la edición número 71 se llevará a cabo el 12 de enero del próximo año, según lo informa el diario Los Ángeles Times.

(consulta la web oficial en: http://www.goldenglobes.org/)

"No hay nadie más digno para este premio que Woody Allen", dijo Theo Kingma, presidente de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA).

"Sus contribuciones a la cinematografía han sido fenomenales, y es verdaderamente un tesoro internacional", agregó Kingma durante el anuncio.

El galardonado con el Cecil B. DeMille Award es elegido por el Consejo de Administración de la HFPA y solo se le concede a las personas cuyo talento ha dejado huella en el mundo del entretenimiento. Los ganadores anteriores incluyen Jodie Foster (2013), Morgan Freeman, (2012), Robert De Niro (2011), Martin Scorsese (2010), Steven Spielberg (2009), Warren Beatty (2007), Anthony Hopkins (2006), Robin Williams (2005), Michael Douglas (2004), Gene Hackman (2003), Harrison Ford (2002), Al Pacino (2001) y Barbra Streisand (2000).

A propósito, la nueva película del director estadounidense "Blue Jasmine", ha sido un éxito de taquilla en el país y se espera que esté presente en el circuito de festivales a finales de este año.

Allen, que ha escrito y dirigido más de 45 películas, ganó sus reconocimientos más recientes por "Midnight in Paris", con el Globo de Oro y el Óscar al mejor guión original en 2011. También obtuvo el Óscar a mejor director por "Annie Hall" (1978), por la que también fue distinguido por la Academia de Hollywood como mejor guión original, premio que también recibió por "Hannah y sus hermanas" (1986).  Como si esto fuera poco Woody Allen posee el récord de postulaciones al premio Óscar en la categoría al Mejor guión original.