El surrealismo gótico de Tim Burton fascina en París

Las criaturas que habitan en la mente de Tim Burton, el cineasta de sensibilidad gótica que ha desplegado su universo de surrealismo en veinte películas creadas durante tres décadas de carrera, se han instalado en la Cinemateca de París hasta el próximo 5 de agosto.

A través de 700 dibujos, con muñecos y disfraces, el templo del cine en Francia recorre ampliamente la filmografía y la creación de Burton (nacido en Burbank, (EE.UU) 1958), desde sus inicios adolescentes hasta el desarrollo de títulos como "Beetlejuice" (1988), "Ed Wood" (1994) o "Sweeney Todd" (2007), pasando por los años que estuvo en la casa Disney. "Creo que todo el mundo debería ser capaz de sacar su alegría, pena, luz, oscuridad... Es importante ser capaz de expresarse, de cualquier manera", afirmó el director al presentar la muestra en París, el único punto de Europa donde puede disfrutarse de la exhibición, concebida en 2009 para el MoMa de Nueva York. 

Para Burton -que vive en Londres junto con su compañera, la actriz Helena Bonham Carter y sus dos hijos- las ilustraciones son su forma de comunicarse y de "explorar el subconsciente", dijo. Dibujos en acuarela, a lápiz y bolígrafo, plasmados en lienzos, láminas o esbozados en servilletas y páginas de periódico se mezclan con las marionetas de resina o las máscaras utilizadas en sus películas para articular un espacio plagado de escondrijos tétricos y de devaneos infantiles. Al interior de la retrospectiva "Tim Burton. La exposición", el visitante tiene la sensación de penetrar en un fantasioso laboratorio para asistir en primera línea del proceso creativo de uno de los artistas más singulares de Hollywood, un cineasta que ha logrado aunar su poética y mórbida idiosincrasia con un rotundo éxito comercial. "Muchas cosas quizá empezaron con esos dibujos extraños, que quizá años después apliqué a películas o proyectos", comentó el director, quien reconoció que el dibujo es una buena forma de mantenerse ocupado que le evita "caer en una depresión profunda". aquí algunas fotos de la expo:

 La retrospectiva de París abre sus puertas en  un año para el que el director estrenará dos nuevas películas: la adaptación de la serie "Dark Shadows", que estrenará en el próximo Festival de Cannes y en la que volverá a contar con su actor fetiche, Johny Deep, y "Frankenweenie", una versión canina y animada de Frankenstein que parte de un cortometraje que Burton firmó en 1984 y que llegará a las salas de Estados Unidos el próximo otoño. Pero la Cinemateca de París, que proyectará toda la obra de Burton, no pretende explorar los largometrajes que ultima el cineasta, sino recrearse con lo monstruos oblicuos con dientes afilados que imaginaba un niño introvertido que se crió "en un ambiente suburbano y conformista" de la periferia de Los Ángeles. "Es producto de cómo he crecido", explicó a la prensa sobre la exposición el que fuera en 2010 presidente del jurado del Festival de Cannes, quien reconoció que entró por primera vez en un museo cuando tenía 18 años. Corría entonces 1976, el mismo año en el que ingresó en el Instituto de las Artes de California, fundado por Walt Disney para formar dibujantes para sus estudios. Al terminar, Burton logró un contrato con la casa de animación por antonomasia, donde trabajó cuatro años.

Fue el período en el que realizó los cortometrajes "Vincent" y "Frankenweenie" y cuando conoció a parte del equipo que le ha acompañado desde entonces, aunque tuvo que salir de Disney para hacer realidad su primer largo. "En un momento dado en Disney, en el que tenía mucho tiempo para dibujar lo que quisiera", recuerda el director, que describe aquella etapa como una de las más fértiles de su vida. A finales de los ochenta y principios de los noventa recibiría el aplauso del gran público, con cintas como "Beetlejuice" o "Batman" y se introduciría en una constante de éxito que le ha convertido en un director de culto que sigue seduciendo en taquilla. Durante los próximos cinco meses, la Cinemateca de París ofrece la posibilidad de escrutar el "proceso de reflexión" de un genio que ha creado, dibujado, coloreado, dirigido y animado un indómito universo que, por primera vez en Europa, abre sus puertas a los extraños.

EL ARTISTA: un film que ahora palpita en el Corazón

Este fin de semana Karen y Yo vimos EL ARTISTA, y recuerdo que a la salida, mi grandes amigas Pia Barragan, Gerente de productos Independientes de Cine Colombia y Diana Cardoso, me preguntaron:   “Cuanto hace que no veías una película muda?” y “ Como te pareció?” respectivamente y bueno…. antes de contestar, pensé: “caramba…para resolver esta pregunta, debo dar una respuesta responsable” , pienso que ya ha pasado el tiempo suficiente para responder las preguntas, y dar a conocer mi punto de vista, Pia, Diana, Amigos lectores, esta es mi opinión desde el sublime y responsable ejercicio de la crítica.

Comienzo por contar, que desde muy pequeño, no recuerdo que edad tenia, con mi padre, a quien le debo la "pasión" por el Cine, la música y la lectura, compartimos varias jornadas "matinales" en la ya desaparecida Cinemateca de Usaquen, allí los domingos en la mañana, proyectaban en una pequeña sala, el cine que a Papa, le gustaba, para mi era en ese entonces toda una experiencia, pero lo que más me gustaba, era que no tenia que "leer los titulitos" simplemente veía la pelí y me divertía. Así fueron mis primeros años en la sala de cine, los mismos que ahora recuerdo con tanta nostalgia, desde el pasado sábado, al tener mi primer encuentro con EL ARTISTA.

Desde que supe que el extraordinario trabajo del Director Michael Hazanaviciuz , se trataba de una "película muda", geste en mi mente la idea de un film al mejor estilo de  los entrañables Charles Chaplin, Buster Keaton, Laurel & Hardy (personajes con los que crecí) al lado de King Kong, GODZILLA y en fin... mucho pasó por mi cabeza, el recuerdo de imágenes imborrables y la nostalgia del cine, que con trabajo, dedicación y mucho esfuerzo lograron crear aquellos quienes a principio del naciente siglo XX eran "los independientes".

Al ver  EL ARTISTA, queda claro que fueron muchos lo ingredientes que el director Hazanaviciuz, debió mezclar para logar lo que hoy día es el resultado de de un éxito total, donde se rinde homenaje a los años dorados de hollywood en una película trascendental filmada con algunos ejemplos de la época y enfrentando el gran reto de ser una película muda, que compite actualmente en la ceremonia de entrega del premio más importante del cine comercial el OSCAR.

Desde su inicio y solo hasta el final la cinta comprendemos que definitivamente esta película como “muda” bueno, ciertamente no lo es. Películas mudas son La marca del Zorro de Douglas Fairbanks, Nosferatu dirigida por F.W. Murnau y protagonizada por Max Schreck o El chico de Chaplín.  EL ARTISTA no es una película muda, es una película sobre el cine mudo y el cine sonoro. y aunque suene igual, no lo es. EL ARTISTA tampoco es una película romántica, eso es una excusa (debido al trailer que la promociona) y eso es cierto, en el mismo vemos el desarrollo de una historia romántica en la cual el punto central es la relación de George Valentin (Jean Dujardin) súper estrella del cine mudo, que se enamora de la joven actriz Peppy Miller (Bérénice Bejo) quien termina convirtiéndose en la nueva gran estrella del cine sonoro (como protagonista de las “talkies”) y termina, sin quererlo, destronando a Valentin de la naciente industria, en resumen una historia romántica clásica, pero muda, filmada en el 2011, con algunos elementos de los pioneros años 20.

El punto de giro es, el mayor cambio de paradigma de la industria del cine, mucho mayor que el del traspaso a color, sin olvidar a TOY STORY y el avance que marcó frente al actual cine de animación (otro gran legado de Steve Jobs). El film nos habla sobre el estrellato, tanto del ascenso como de la caída. Es sobre tenerlo todo y perderlo, sobre el negocio de la industria, la desesperación, el orgullo, la esperanza, el amor, pero sobre todo, es en conclusión una película sobre el sonido. El mismo, no es una excusa ni un efecto más, es el actor principal. pasa a ser el villano, o el anti-héroe, según como usted lo quiera interpretar. Durante toda la película su ausencia es lo más relevante, la relación de todos los personajes a su alrededor, los conflictos que desencadenan, las situaciones que resuelven. Siempre presente de alguna u otra forma, acechando, y afectando todo el desarrollo de la trama a lo largo de la película. razón por la que afirmo que no es una película “muda” y espero me entiendan.

LOS ACTORES

De ellos debemos hablar, todos son extraordinarios!!, desde Jean Dujardin hasta Uggie, el perrito. Todos logran equilibrar el estilo de actuación de la época, con gestos exagerados y sobreactuados para compensar la falta de sonido, pero sin perder por ello la naturalidad en sus papeles. Es cierto que cuesta un poco al principio acostumbrarse a la película y a sus protagonistas, pero es apenas una leve sensación al comienzo, por ello le respondí a Pia "esta semana he visto tres películas" y pienso que seria bueno, si usted puede, que haga el ejercicio, antes de verla, recurrir a su archivo personal y recordar algunos clásicos, solo como por "acostumbrarse" a lo que verá con  EL ARTISTA.

Ahora bien, el film es fantástico, por lo que considero; que este es un muy buen ejercicio para el cine contemporáneo, una película construida con un porcentaje de 50/50, 50 del trabajo de todo el equipo por lograr la película y el otro 50 gracias al maestro Ludovic Bource y su extraordinaria banda sonora, porque la ausencia de sonido implica que la música tiene que estar presente durante todo el desarrollo de la película y no solo de fondo o para enfatizar lo que se ve en pantalla, sino directamente para conformar y transmitir lo que estamos viendo. Y es precisamente Bource quien con su música, logar aportarle al film el tono, la potencia, la verdadera carga emocional a todo lo que vemos en pantalla, logrando alcanzar con sus "crecendos" momentos verdaderamente importantes. En otras palabras, sin banda de sonido no existe  EL ARTISTA.

Otros aspectos que quiero destacar con respecto a sus postulaciones al OSCAR, son el Vestuario, la Dirección de Arte, Dirección de fotografía, Mejor guión original, obviamente Actor y Actriz de reparto y los principales (Mejor director y Mejor película) la veo un poco más complicada frente a Scorsese y  su también magnífica "La invención de Hugo Cabret, que llega este fin de semana a las salas de Cine en Colombia y de la cual estaré hablando en estos días. Para terminar, además de recomendarla, quiero recordar aquella opinión que alguna vez le escuché expresar a mi gran maestro Sir Alfred Hitchcock cuando dijo en una entrevista, y se que tenía razón, "las películas mudas son la forma más pura del cine"

RESUMEN con LAS MEJORES PELÍCULAS DE 2011

Por Jaime Ponce

Al iniciar el año y después de esta temporada de descanso, me he tomado, el tiempo necesario para recordar varios de los buenos y malos momentos vividos en la eterna sala oscura, sitio donde por lo general y gracias a los estudios de Cine con representación en Colombia, he tenido la oportunidad de ver Buen Cine.

Definitivamente concluyo que el pasado 2011, fue un año realmente particular para el Cine, la muerte de la inolvidable Elizabeth Taylor y la sorpresiva y muy sentida muerte de Steve Jobs, genio creador de Toy Story y gestor visionario de la animación en 3D, formaron parte de las noticias del Cine, pero más alla de esto el Septimo Arte, permite hacer un muy buen balance en cuanto a lo que los críticos solemos llamar “cine de gran factura” (y no precisamente por ser costoso, advierto!)

La calidad de las películas, en el segmento comercial, fue realmente sorprendente, esto enfocándome directamente en el cine de animación, con cintas como RANGO, RIO, LAS AVENTURAS DE TITIN o GATO CON BOTAS.

Pero bien, como lo que quiero es dar a conocer cuáles son mi películas favoritas, del pasado periodo y de paso algunas de ellas, con altas opciones para ser postuladas al Premio OSCAR, el más importante a nivel comercial, pues me tomo la libertad de presentar a ustedes, la suma de 10 cintas que para mí criterio, como se hace al momento de evaluar las cosechas de Vino, son las “mejores de la cosecha 2011”.

En cuenta regresiva y como el Cine es más imagen que palabras, acompaño mi comentario con el tráiler de la cinta, solo como para ser más didáctico.

Película # 10:

AGUA PARA ELEFANTES (Water for Elephants): la cinta basada en el Best Seller # 1 recomendado por el prestigioso diario del New York Times, nos otorgó la posibilidad de regresar años atrás, cuando con mis padres y ahora con mi hijas, asistimos alguna vez al Circo, este fabuloso espectáculo, que hoy día y por fortuna esta revaluando la posibilidad de utilizar animales. Un film donde la Vida y el amor se conjugan para crear “el mejor espectáculo del Mundo”. Extraordinario vestuario y muy buen trabajo de su protagonistas, dos actores ganadores del OSCAR Reese Witherspoon - Christoph Waltz.

Película # 9:

PINA: (PINA) Aquí la opción más grande que existe cuando de Cine Ate hablamos, el más reciente trabajo del Director de Cine alemán Win Wenders, esto por ser uno de mis Cuatro Directores de Cine preferidos y a quienes considero, como mis maestros, aquellos con quienes, gracias a sus películas, he adoptado mis fundamentos y bases primordiales para Ver y hablar de Cine.

La considero como una de las mejores del 2011, Pina es un largometraje en 3D con la participación del elenco del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, representando el arte único e inspirador de la gran coreógrafa alemana fallecida en 2009.

El homenaje a Pina Bausch que rinde en su versión el maestro Wenders, nos transporta hacia una nueva dimensión, en un viaje revelador, sensual y visualmente deslumbrante, tanto en el escenario como siguiendo a los bailarines fuera del teatro, en la ciudad y alrededores de Wuppertal, el lugar que durante 35 años fuera el hogar y el centro creativo de Pina Bausch. Además resalto que la cinta es la primera experiencia de Win Wenders en el Cine con tecnología 3D, aunque no era tan necesario, pero siendo Wenders, solo me quito el sombrero. (Advierto que esta película no llego a Colombia y tuve que verla, por Internet, … que lastima, deseo realmente verla en Cine)

Película # 8

OTRA TIERRA: (Another Earth) Ciencia Ficción, siempre en un resumen, los críticos debemos incluir una deetas, porque? Por la sencilla razón que sin ellas no podríamos entonces ser visionarios en nuestro punto objetivo, la ciencia Ficción es un género tan legendario como el el Cine de Terror y olvidarlo es imperdonable, por tal razón postulo esta cinta, ganadora en el prestigioso Festival de Cine Independeinte de SUNDANCE, a Mejor Guión.

OTRA TIERRA parece una película indie sobre una común historia de redención, con una premisa fantástica atractiva como inicio y lo es. Pero 10 minutos después Sorprende!!. Su director, el estadounidense Mike Cahill, se sirve de un pretexto sobrenatural, la aparición en el cielo de una réplica exacta de la Tierra, para impulsar la historia de una mujer que debe reconciliarse consigo misma tras provocar un accidente mortal. Pero ni el planteamiento ni el desarrollo de este relato sobre la culpa, la redención y la posibilidad de perdón son perezosos. Al menos por dos razones.

La primera es el enfoque del personaje principal, alejado del estereotipo. Cahill no propone a una protagonista anulada por su desdicha. La protagonista de Otra Tierra es una atípica heroína, una mujer fuerte que cree en la posibilidad de salvarse, y eso ya altera los clichés de las historias típicas de superación. La otra razón de la originalidad de Otra Tierra es el diálogo continuo entre la premisa fantástica que impulsa la historia y la evolución de los personajes. (me sentí como ubicándome entre DISTRIC 9 y la serie de tv FRINGE) La aparición en el cielo de la réplica de la Tierra --confirmada en una escena extraordinaria, la retransmisión televisiva de la primera toma de contacto con ese otro mundo-- genera en los personajes una extraña esperanza que hace que sus movimientos conmuevan por inesperados y espontáneos. (Anoto que también la vi por Internet…0 y van dos)

Película # 7

MEDIANOCHE EN PARIS: (Midnigth in Paris) Si la Comedia es un género, hasta ahora acostumbrado para hacernos reir, con esta cinta tan publicitada, mi segundo gran maestro del Cine el señor Woody Allen, logro con esta película, hacer lo no pudo en diez años de sequia, creativa (después de la inigualable MATCH POINT). Cautivar mi Corazón, destornillarme de la Risa en la silla y sorprenderme cada minuto que pasaba, al lograr de manera magistral, recrear a los grandes íconos de la cultura europea, en épocas entrañables como la Belle Epoque y el Dada, la París de los años veinte, en la que Ernest Hemingway, Pablo Picasso, Gertrude Stein y otros muchos personajes míticos creaban la sociedad envidiable de artistas con nuevas propuestas que cambiaron la visión de nuestro mundo. Aunque la crítica fue 50/50, algunos a favor y otros en contra, Yo ala apoyo por ser el resultado creativo, del genial e impredecible Woody. Advierto que esta cinta presenta algunos guiños, que me recordaron inolvidables momentos de su gran clásico LA ROSA PURPURA DEL CAIRO (1985).

Película # 6

RIO: Regreso de nuevo al género de las películas animadas, pues no puedo dejar de nombrar a RIO, película del Director brasilero Carlos Saldanha, que desde sus primeros minutos prevée todo un festival narrativo llena de colores, música y movimiento y que logra, con la samba y la batukada lo que Walt Disney hizo con la música clásica en ‘Fantasía’. El espejismo dura unos minutos, hasta que el espectador se da cuenta de que los responsables de esta aventura carnavalesca están más preocupados por respetar los puntos de giro que por sumergirse en las posibilidades subjetivas del cine de animación. Sin embargo, ‘Rio’ nunca abandona del todo su fascinación por el componente caleidoscópico de las tres dimensiones digitales, convirtiéndose en un festival para los sentidos que solo puede ser disfrutado por completo en pantalla grande. Además, comparte con ‘RANGO’ su afán por pulsar el corazón del cinéfilo a través de un exquisito catálogo de citas y referentes. Así, la relación entre el neurótico Blu (Jesse Eisenberg) y la difícil Jewel (Anne Hathaway) nos recuerda a una versión guacamaya de la screwball comedy, mientras que la comedia exótica parece extraído de aquellas películas de viajes protagonizadas por Bob Hope y Bing Crosby. Puede que Digital Sky no esté preparada aún para competir contra Pixar en la primera división, pero ‘Rio’ supone un hiperexpresivo paso adelante para un estudio que ya corría el riesgo de fosilizarse mientras producía secuelas de ‘Ice Age’.

Película # 5

CABALLO DE GUERRA: (WAR HORSE)

Cuando la vi, al final quede sin palabras, pues siendo una historia de ficción, la nueva película del director Steven Spielberg atrapa desde su inicio, al relatar la historia de un hermoso caballo, que sin ser el Pura Sangre que esperamos, se transforma en héroe en medio del difícil paso por la Primera Guerra Mundial, una cinta extraordinaria en la que el Director, asume el reto de pasar de Actores humanos, con un muy buen casting para el desarrollo de personajes a Animales actores, pues son 2 los caballos que protagonizan la película. Algo sorprendente es el extraordinario manejo de la luz natural que generan los amaneceres y atardeceres de la isla británica y a eso sumarle la inconfundible música del maestro John Williams y la fascinante fotografía, que me recordó los mejores momentos de otro gran clásico del Cine de Guerra LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ.

Película # 4
CONTAGIO: Marco en 2011 el regreso al cine del Director estadounidense Steven Soderbergh con la puesta en escena absolutamente minimalista para crear un profundo desasosiego en el espectador, y efectivamente lo logró. La historia comienza en el día 2 de la tenebrosa PANDEMIA. Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) regresa a Minneapolis desde Hong Kong de un viaje de negocios. Pronto comenzarán los síntomas: tos seca, fiebre, seguido de convulsiones y hemorragias cerebrales. De inmediato aparecen otras personas con los mismos y misteriosos síntomas en diversas ciudades del mundo: Minneapolis, Chicago, Londres, París, Tokyo y Hong Kong. Así da comienzo una carrera contra reloj por parte de la Organización Mundial de la Salud y de la CDC por controlar el número de afectados y sobre todo, encontrar al paciente número cero.
Y como en la mejor tradición de los largometrajes apocalípticos, el director logra construir  un thriller coral que al final reconstruye lo que ocurriría (y ya ha ocurrido varias veces: AH1N1, Vacas Locas, Viruela, SIDA etc,etc.) para ofrecernos un mosaico poliédrico de una pandemia. La principal línea argumental es la búsqueda tanto del paciente cero como del malo de la película: el desconocido virus. Así, el gran problema es descubrir su identidad para poder luchar contra él. Es decir, encontrar una vacuna para salvar al mundo. 

Película # 3

DRIVE:  Una película en la que los silencios no son incómodos, al contrario, cuentan más que las palabras.  Drive  cuenta la historia de un hombre solitario, amante de los autos trabaja durante el día como doble para el cine y cuando la noche cae se convierte en un conductor a sueldo contratado por bandas de criminales, para asistirlos en sus escapes.

El mismo tiene un código que no admite romper ni negociar, lo lleva grabado a fuego y lo cumplirá con una precisión exacta. En la Cinta el actor Ryan Gosling logra una espectacular interpretación, resulta complicado transmitir sensaciones a través de silencios, con una mirada fija, helada, calculadora y jugueteando con un palillo entre los dientes mientras permanece impasible ante todo lo que ocurre a su alrededor. Este ser frío y sin nombre, simplemente subsiste recibiendo los encargos de su mentor (Bryan Cranston), un viejo que seguro vivió tiempos mejores y que posee un taller como tapadera de su negocio nocturno.

Drive posee ese lenguaje inconfundible de la década de los Ochenta, con la mafia de por medio las venganzas, traiciones y ajustes de cuentas están a la orden del día. En este mundo anclado en los suburbios de Los Angeles, el hombre solitario verá cómo su mundo se despedaza y se abre al exterior cuando conoce a su vecina (Carey Mulligan) y su hijo. El aclamado joven director Nicolas Winding Refn hace de Drive un admirable trabajo como realizador para ofrecernos una película con una historia verosímil e inquietante creando un mundo sucio, tirano y anárquico. En Drive los silencios son cómplices para contarnos la historia etérea que abre con violencia y supervivencia desde las primeras secuencias y captura a través de las palabras mudas. Simple, sencilla, minimalista, con tintes de Film Noir, es para mi una de las mejores del año, por eso la ubico en esta posición.

Película # 2
EL ARTISTA: (The Artist) Aquí soy sincero, aún no la he visto, pero con solo admirar el trailer de esta cinta y conocer un poco sobre sus realizadores, se que realmente estamos frente a una de las Mejores películas del año. Su sencillez apoyada por el difícil manejo del Blanco y Negro y el trabajo de actores, la convierten en una de mis favoritas y un verdadero y sublime homenaje al Cine, cuando la vea estaré escribiendo entes segmento, porqué me gustó. Mientras comparto con ustedes el Avance, solo para que entiendan de que hablo. Advierto el 60 por ciento de la película es Muda 8es decir no cuenta con voz humana) solo la acompaña la excelente música, para ubicarnos en el espacio-tiempo.

Película  # 1

EL ARBOL DE LA VIDA: (The tree of Life) Esta es para mi y ofrezco mis disculpas al hablar a título personal, pues ese es en parte mi oficio como crítico y Periodista, la más inteligente, intrigante, desconcertante y simplemente extraordinaria!! Obra Maestra del cine actual. Verla para mí ha sido realmente eso y más. Encontrar las palabras exactas para describir el apoteósico trabajo del intrigante Director Terrence Malick, no es fácil, pues su más reciente trabajo trasciende la frontera del Cine contemporáneo, para llevarlo más allá del límite del pensamiento humano. Por eso acudo al los planteamientos logrados por el doble movimiento de la filosofía de Martin Heidegger (la exploración del ser en el tiempo y a su vez de los tiempos del ser) se  encuentra, en El Árbol de la Vida.

El polémico Director Terrence Malick (Malas Tierras, 1973; Días del cielo, 1978; La delgada línea roja, 1998; El nuevo mundo, 2005) ha realizado una verdadera película que supone al realizador-artista, capaz de expresarse a través del cine, al pensador que se asienta en la tradición filosófica, teológica y musical, y al creyente que quiere plasmar su experiencia de Dios. Tal intención nos lleva a una obra compleja que puede ser contemplada desde una cierta sencillez pero que estoy seguro no funcionará como película comercial. En este caso la crítica quiere ser una invitación responsable a ver "una película que provoca una experiencia estética, invita a adentrase en la experiencia de la gracia y deja un poso reflexivo" que exige tanto el re-planteamiento de los que somos hoy día como seres humanos, de donde venimos y a los que hemos llegado –aquí la repetición será obligada- como a la contemplación y el diálogo. El trailer no expresa mucho, pero por favor, si desean verla, háganlo en una sala de Cine, no en casa, después habrá la oportunidad de repetirla, pero la primera vez, la primera cita con la más sublime Obra Maestra de nuestros días, es en la Sala Oscura.

Biblioteca Congreso EEUU registra "Bambi" y 24 películas como tesoro nacional

La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos anunció hoy que preservará "Bambi", "Forrest Gump", "El Mariachi" y otras 22 películas consideradas tesoros nacionales, artísticos y culturales, por su influencia en la cultura estadounidense.

Los filmes, que cubren un período que va desde 1912 a 1994, pasarán a engrosar el registro nacional de películas de la prestigiosa Biblioteca, debido a que "representan la rica diversidad creativa y cultural del cine estadounidense", indicó la institución en un comunicado. El clásico de animación de Walt Disney "Bambi" ha sido elegido por su "atemporalidad" y por "deleitar a generaciones desde su debut hace cerca de 70 años", así como por la forma en que esta fábula captura la belleza con sus imágenes. La Biblioteca del Congreso estadounidense elige anualmente 25 filmes para su preservación, entre las miles de propuestas presentadas por el público, por su importancia "cultural, histórica o estética" y su relevancia para la cultura del país. 

Desde ahora, las historias del inocente Forrest Gump, inmortalizadas en el homónimo film de Robert Zemeckis, o las desventuras de "El Mariachi", el largometraje en español que sacó del anonimato al director Robert Rodríguez, serán conservadas como herencia cultural.

La lista de 25 películas incluye clásicos de la historia del cine como "The Lost Weekend" de Billy Wilder; "The Iron Horse", la épica historia del oeste americano de John Ford, o la emotiva "The Kid", de Charles Chaplin. 

Entre los títulos más recientes destaca el macabro film de suspense "The Silence of the Lambs", con Jodie Foster y Anthony Hopkins, o la historia de violencia en las aulas de "Stand and Deliver", del director cubano-estadounidense Ramón Menéndez. Todas estas películas serán sometidas a un proceso de conservación y clasificación para que puedan perdurar con los años y ser de libre acceso para las generaciones futuras.

STEVE JOBS: el hombre que nos cambió la vida

Nació en 1955 y fue dado en adopción, sin haber acabado sus estudios universitarios, se convirtió en el creadorde de Apple a los 20 años de edad junto a Steve Wozniak, fué despedido de la compañía que creo a los 30 años, la dirección de Apple por aquel entonces le reprochaba porque "no era capaz de adaptarse al crecimiento de la empresa y su visión de ...como tenía que ser el negocio de Apple chocaba con lo que estaba de moda en la época". despedido de la compañía en 1985, fuera de Apple creo los estudios de animación Pixar y fundó NeXTComputer, compañía que fue comprada por Apple en 1996 y que permitió que Steve Jobs volviera a ser contratado como director de Apple en unos momentos en el que el futuro de la compañía era más que incierto y Apple parecía una clara apuesta perdedora.

Steve Jobs no es sólo el alma máter creadora de la compañía, sino que fue también su salvador, cuando en 1997, con la compañía en plena decadencia comercial, Jobs vuelve a coger las riendas de la compañía y la relanza. Los éxitos comerciales ya son por todos conocidos. IPod, ITunes, IPhone y una gama de computadores y herramientas personales cuya calidad, fiabilidad y diseño son difíciles de superar, con el iPad como colofón de un modelo de negocio cerrado que durante años fue duramente criticado y dado por superado pero que en el transcurso de los años ha permitido a Apple desarrollar una ventaja competitiva de momento no igualada y que la ha convertido en la mayor compañía del mundo por capitalización Busátil.

Por sus logros, Steve Jobs puede ser recordado como uno de los mejores CEO de los úlitmos 50 años, pero mejor recordarlo como puede que le gustaría a él, un ser lleno de pasión, perfeccionista que sólo intentaba dar al público el producto perfecto.

Diagnosticado en 2004 de un tumor de páncreas, Steve logra sobrevivir a un tipo de tumor que no suele ser “normal” y continuó al frente de la compañía, hasta ayer Miércoles cuando el cáncer le venció, en la más dura lucha que hubiera enfrentado en su Vida.

Paz para Su alma y recogimiento en la memoria del hombre que realmente nos cambió la Vida, que nos permite hoy que la Música y las películas sean "portátiles", que nos dejó ver que "los Juguetes, si pueden cobrar vida" y que nos cambíó la manera ver y sentir nuestro actual mundo Digital.

El Director de cine alemán Wim Wenders afirma: "El 3D nació para la danza"

En POP CORN CINEMA, reproducimos la extraordinaria crónica, enviada por la agencia EFE y la entrevista del periodista: Mateo Sancho Cardiel.

Madrid, 29 sep (EFE).- Lejos ya sus miradas hacia "El cielo sobre Berlín" o su camino hasta "París, Texas", el alemán Wim Wenders cambia sus gafas de pasta por las lentes estereoscópicas en "Pina", documental sobre la célebre coreógrafa que representará a Alemania en los Óscar y en el que demuestra que "el 3D nació para la danza". "Hasta que llegó el 3D, hiciera lo que hiciera con mi cámara, nunca podía romper esa pared invisible que había entre lo que yo veía en el escenario con mis ojos y lo que luego acababa viéndose en pantalla. Algo siempre se perdía. Y la danza saca, a su vez, lo mejor del 3D", explica a Efe Wenders. Aunque llevaba tiempo deseando convertir un cine en la platea perfecta desde la que disfrutar ese "Tanztheater" (danza teatro) que definió la coreógrafa y bailarina alemana, fue en el Festival de Cannes de 2007, donde se proyectó un concierto de U2 en formato estereoscópico, cuando Wenders vio claro que esa "pared invisible" podía ser derribada. El avance de la tecnología daba luz verde al proyecto. Pero la luz roja llegaba años después, cuando Pina Bausch falleció el 30 de junio de 2009. "Pina y yo queríamos hacer esta película juntos y soñamos con ello durante veinte años. Justo cuando estábamos a punto de conseguirlo, Pina murió e inmediatamente cancelé el proyecto. ¡No tenía sentido hacerlo sin ella!", confiesa Wenders. "Solo después de un tiempo me di cuenta de que había muchos motivos para seguir adelante con el proyecto. No podíamos hacer una película con Pina pero sí para Pina", explica un realizador que cuela de manera sigilosa y privilegiada la cámara en coreografías tan célebres como "Café Müller" o "Kontakthof".

No es la primera vez que Wenders pliega el cine a otras artes. Es más, acostumbra a establecer vínculos entre ellas: la fotografía y la pintura inundaban "París, Texas", contó con Bono para "Million Dollar Hotel" y se sumergió en el mundo de la música cubana en "Buena Vista Social Club". "Todas las artes están relacionadas y nos ayudan a entender lo que vivimos y cómo podemos vivirlo. Pero mientras la pintura y la fotografía están dirigidas a la vista, y de allí a la mente y la emoción, la música y la danza van directamente al cuerpo", asegura. Así, aunque Wenders al principio consideraba la danza como un arte menor, "como una especie de placer ascético con el que no podía empatizar". Eso cambió la primera vez que se enfrentó al arte de Pina Bausch, a sus cuerpos imperfectos, a sus movimientos más expresivos que técnicamente apabullantes. "Su trabajo fue una especie de revelación pura para mí, de belleza nunca vista, de emociones nunca sentidas y me sentí obligado a trasladarlas al público", relata el director. "Hasta entonces yo me consideraba, como tantos otros directores de cine, un experto en el lenguaje del cuerpo", asegura, pero descubrió con Bausch "cuán refinada era su gramática corporal, cómo de detallado era su vocabulario. Me di cuenta de que los directores de cine somos analfabetos en comparación con ella", explica. Es por eso que Wenders hace también un trabajo de humildad en "Pina". "Para realizar la película tal como estaba en mi mente tenía que dar un paso atrás, para no estar entre la audiencia y Pina. Es una de las mejores razones para hacer un documental: amas tanto algo que quieres compartirlo con tanta gente como sea posible".  

Lo documental y lo ficticio han recorrido la trayectoria de Wenders, autor capaz de adaptar a Patricia Highsmith en "El amigo americano", echar una mano a un director impedido como Michelangelo Antonioni allá por 1995 en "Más allá de las nubes" o profundizar en la cultura japonesa en "Tokio-Ga". "No creo que el concepto de 'verdad' tenga que ver con ser documental o ficción. Donde no lo encuentro es en los 'remakes' o en las secuelas. Hay tantas películas basadas en fórmulas hoy en día, que por definición lo verdadero se escapa de su receta. Solo si tienes algo que decir acabará siendo verdadero y creíble", concluye.Publicado por EFE solo para medios especializados 

Amanecer: EL PLANETA DE LOS SIMIOS Revolución Estreno en América Latína

Cuando supimos sobre una precuela del Planeta de los Simios, sentimos de inmediato el desacuerdo total!!, pués después del último intento liderardo por el Director Tim Burton que sólo provocó la ira de los fanáticos, las posibilidades de una nueva cinta fueron desechadas. Ahora la versión del Director Rupert Wyatt, nos sorprende e invita a liberarnos de viejos recuerdos para reiniciar esta extraordinaria nueva historia.

las posibilidades de una nueva cinta fueron desechadas junto con el absurdo final alternativo del simio con cabeza de Abraham Lincoln.
Pero ahora las esperanzas resurgen con esta nueva propuesta que en cierta manera y después de verla ya dos veces, pienso supera   
las expectativas, que reúne este excelente trabajo en el que su director Rupert Wyatt logra con la producción y a través de la Dirección de Actores, que los simios sean reales, como auténticos personajes capaces de iniciar una revolución.

Entro en desacuerdo con aquellos quienes afirman que el trabajo de los otros actores, que "encarnaron" a los demás simios, no fueron afortunados, al contrario opino que al contrario, si en algo acertaron fue precisamente en ello que los actores humanos lograron con su trabajo justificar nuestra decadencia como la especie dominante del mundo y en escenas de grupo
transmiten el verdadero lenguaje que lee permite lograr la gran rebelión.

Se que además de la sorpresa de Cesar,  no existe ningún dialogo que sobresalga , o algún dilema que ataque o enfrente la ética y o la moral que implique desafiar a la naturaleza, pero el precedente de un final esperado se suple con una breve advertencia por parte de Freida Pinto que de nada sirve y simplemente pasa a ser "palabras al viento".

Ahora bien, existen tres elementos que sobresalen de lo que pudo haber sido un desastre para la legendaria 20th Century FOX: el sorprendente trabajo de la compañía neozelandesa WETA, encargada de los efectos visuales, que nos ha sorprendido de nuevo no sólo con amontonar pixeles, si no con verdaderos personajes capaces de transmitir sus alegrías y miedos, la dirección de Rupert Wyatt y el talento de Andy Serkis.

En lo que otros han fallado, aquí a sido un acierto: sabemos quiénes son los héroes, las víctimas y los villanos; a cada uno de los protagonistas se les ha dado características que nos permiten identificarlos y sus motivaciones son sorprendentes al momento de la batalla por la libertad. Pero.....no todo es perfecto, pues existen momentos decisivos, en especial con las escenas de acción que no logran convencer.
En la dirección, Rupert Wyatt, se resiste a ofrecernos las mismas tomas y momentos artificiales recurrentes, para contenerse durante el transcurso de la cinta hasta su trepidante desenlace que resulta ser emocionante, con escenas de acción que tensionan, al momento de preguntarnos ¿que le sucederá a los primates?.

La estrella principal, es sin lugar a duda el chimpancé llamado César, puesto en escena por Andy Serkis, a quienes recordamos por darle vida a Golum (Trilogia El Señor de los Anillos). Su lenguage visual es SORPRENDENTE!!! y al mismo tiempo conmovedor como desarrolla su destino, de "indefenso mono de laboratorio" a convertirse en líder de una revolución.
Termino agregando que en cuanto a los actores protagonistas, ninguno sobre sale, tal vez porque no existe el material suficiente para que sea un nuevo clásico. Al menos James Franco no arruina la película, como muchos temíamos (después de sus desastrosa presentación en la pasada ceremonia de los OSCAR 2011) pero deja mucho que desear ya que, vuelve hacer lo mismo caras y caras y caras... y John Lithgow no se salva al dejarnos esa insatisfacción porque sus personaje no se comparan con los monos.

Aún con sus deficiencias, Rise: The Planet of Apes, Revolution, es para mi una verdadera sorpresa y lo mejor es que te dan ganas de verla.